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ORIGEN DE “THE BEATLES”

El origen del nombre viene acompañado por el desarrollo de la formación que da lugar a un grupo de personas singulares.

El inicio de la carrera musical de John Lennon fue en el grupo de género skiffle llamado “Blackjacks”, que poco después  se llamaría “The Quarrymen” en 1957.

Más tarde, se daría el encuentro con Paul McCartney en una fiesta como guitarrista, cuando estos dos tenían dieciséis y quince años respectivamente. Aunque no apareció el guitarrista líder hasta el año siguiente, cuando se uniría a ellos George Harrison con catorce años.

En octubre de 1959 participan en el concurso Searchin’ for a Star como “Johnny & the Moondogs”. Esta iniciativa del nombre, estuvo influenciada por la admiración que sentían por “Buddy Holly” y “The Crickets” (Los grillos).

Más tarde, se une al grupo Stuart Sutcliffe en 1960 como bajista, quien sugiere el nombre de “The Beatals”, el nombre en estos momentos no es una cosa estable, y va tomando forma, pasando a llamarse “Long John & The Silver Beetles”. Durante el mismo año pasarán a llamarse “The Silver Beetles a “The Silver Beatles”.  El uso de Beetles fue por su significado en inglés de escarabajos, que ellos mismos ironizarán intensificando la forma “beat”. En 1961 Sutcliffe decidió dejar la banda y Paul McCartney le relevó tocando el bajo.

En agosto de ese mismo año, se unió al grupo como batería Pete Best y se llega a la solución del nombre “The Beatles”, debutando en el Cavern Club por cinco libras.

 

 

El año 1962  con el manager Brian Epstein, graban dos casetes que contienen quince canciones, en la Decca Records, una de las casas discográficas más importantes del Reino Unido. Las canciones grabadas fueron:

 

 

Like Dreamers Do

Money

Till There Was You

The Sheik of Araby

To Know Her Is to Love Her

Take Good Care of My Baby

Memphis Tennessee

Sure to Fall (In Love with You)

Hello Little Girl

Three Cool Cats

Crying Waiting Hoping

Love of the Loved

September in the Rain

Bésame mucho

Searchin’

Más tarde la Decca les dará una negativa, y su manager Brian Epstein se puso en contacto con los estudios de EMI y los directivos de la Parlophone quien editará el primer single “Love me do”/ “P.S. I love you”.

En el año 1963, se definió el logotipo de “The Beatles”, con la forma alargada de la T, enfatizando la palabra “beat”, símbolo que ilustraría el bombo de la batería del propio Ringo Starr que sustituía a Pete Best.

Y bien, ¿qué significa “beat”?, significa golpe, y más que eso, representa un movimiento literario que tuvo sus inicios en América del Norte en los años cuarenta. Un movimiento que representaba a una generación que se levantaba en contra de una sociedad con unos ideales poco flexibles. Esta generación abogaba por el misticismo, y una filosofía orientada hacia la naturaleza de la conciencia, y del que Jack Kerouac fue un gran representante.

En enero de 1963 publicarán su segundo single “Please please me”, consiguiendo el primer lugar en la lista de ventas. Y en marzo, tendría lugar la última de sus 300 actuaciones en el Cavern Club, dando comienzo a una infinidad de actuaciones por todo el mundo.

La formación final de “The Beatles”, sería John Lennon guitarrista y vocalista, Paul McCartney como bajista, Ringo Starr como batería y George Harrison como guitarra.

LA HISTORIA  ACABA DE EMPEZAR

En 1964, la Capitol, que había rechazado la distribución de los cuatro primeros singles edita “I want to hold your hand”, y mientras se da la noticia de que se venden 10.000 copias por hora.

El éxito venía rodado, ya que los conciertos iban en aumento y les venía una ola de optimismo, empezando además, su primera película “A Hard Day’s Night” (la traducción es “Qué noche la de aquel día”) de Richard Lester, que empieza con la canción que tiene el mismo nombre:

It’s been a hard day’s night, and I’d been working like a dog
It’s been a hard day’s night, I should be sleeping like a log
But when I get home to you, I find the things that you do
Will make me feel alright

You know I work all day to get you money to buy you things
And it’s worth it just to hear you say you’re going to give me everything
So why on earth should I moan, cos when I get you alone
You know I feel OK

When I’m home everything seems to be right
When I’m home feeling you holding me tight, tight, yeah

It’s been a hard day’s night, and I’d been working like a dog
It’s been a hard day’s night, I should be sleeping like a log
But when I get home to you I find the things that you do
Will make me feel alright

So why on earth should I moan, cos when I get you alone
You know I feel OK
When I’m home everything seems to be right
When I’m home feeling you holding me tight, tight, yeah

It’s been a hard day’s night, and I’d been working like a dog
It’s been a hard day’s night, I should be sleeping like a log
But when I get home to you, I find the things that you do
Will make me feel alright
You know I feel alright
You know I feel alright

En 1965, se rodará la película “Help!”, que al principio iba a llamarse “Eight arms to hold you”. El título “Help!”, se debe a una aportación de Lennon ya que el cantante se encontraba pasando por un momento complejo en su vida y afirma que necesitaba gritar “Help!” (¡Ayuda!).

En junio de este mismo año, la reina Isabel les hace miembros de la Orden del Imperio británico. Este grupo de jóvenes, había dado un salto de la escuela a una infinidad de conciertos que tuvieron su cuna en Liverpool, realizando un último concierto en la ciudad, con una venta anticipada de 40.000 localidades en el Empire Theatre con una capacidad de 2.550 espectadores.

George Harrison este año empezó a innovar instrumentalmente con sitar gracias a su maestro Ravi Shankar, quien sería invitado a un festival en Monterrey en 1967, pionero del conocido Festival de Woodstock.

Para finalizar el año, en diciembre se edita el álbum “Rubber Soul” como puente entre “Help!” y el álbum “Revolver”, que se editaría en 1966.

En 1966, John es entrevistado en Evening Standard, y en un momento determinado dice: “…En este momento somos más famosos que Cristo”, lo cual repercutirá más tarde en su carrera a causa de la polémica interpretación. Después de giras por Alemania, Japón y Filipinas, los Beatles se ven enredados en problemas de orden público a causa de su fama y de aceptación de cultura en estos dos últimos países.

La revista Datebook de EE.UU. publica la entrevista realizada a Lennon anteriormente, dando importancia a la frase “No sé qué acabará antes el rock and roll o el cristianismo”. El que provocó un escándalo por malinterpretar la expresión y dio lugar a que las emisoras de radio prohibieran sus canciones y se hicieran hogueras con sus discos.

Ante tal revolución, Lennon se disculpó por las declaraciones, y más tarde deciden que tan solo quieren dedicarse a grabaciones en estudio, es decir que después de su último concierto en el Candlestick Park de San Francisco no actuarán más en directo.

Todo esto fue un momento crítico para la banda, ya que recibió constantes amenazas de muerte y la fama no les permitía acercarse al público, incluso ya tan solo podían ser escuchados en directo; ya que el reclamo de sus fans era incluso más elevado que ellos mismos.

1967 fue el año dorado de los Beatles, fue el año en que grabarán “Sgt. Peeper’s Lonely Hearts Club Band”. En esta época se puede observar un cambio en el grupo, ya que a pesar de seguir con su personalidad distintiva, adquieren un tinte y valor especial, consciente, centrado, y lleno de experiencia. Este álbum se convertirá en un mito siendo la primera vez que editan un concept album, sin los 3” de interrupción entre las canciones y con una cubierta que es una caja en que se incluyen recortables y las letras de las canciones.

En junio, los Beatles aparecieron en la portada de Life, desde los estudios de Abbey Road se transmite la canción “All you need is love” en televisión, en el primer programa vía satélite “Our Worl”, para una audiencia de unos 400 millones de espectadores.

Este mismo año en agosto moriría Brian Epstein, manager del grupo, dejando un legado de revolución en la música pop. En diciembre saldrá el doble EP de “Magical Mystery Tour”, que en EE.UU. saldrá como LP.

Crecen en dirección a influencias orientales, conociendo ese verano al gurú hindú Maharishi Mahesh Yogi, quien los introduciría en el mundo de la meditación, es decir todo granitos de arena que los conducirán a un camino de ida y vuelta a la India en el 1968.

Los cuatro Beatles tomarán la decisión de crear el Apple Corps Ltd. en el 68 por cuestiones financieras. Esta sociedad publicó muchos discos a 45 revoluciones, pero solo tuvieron éxito los grabados por los Beatles, por lo que en 1976 caería la Apple Records.

1968 es el año en que empieza a haber problemas en el grupo con peleas, separaciones, desacuerdos sobre gestiones financieras… y todo mientras se grababa “White Album” y John Lennon conocía a Yoko Ono.

A pesar de los enfrentamientos, el grupo continúa y se estrenará a nivel mundial la película “Yellow Submarine”. Más tarde, sale el single “Hey Jude”/ “Revolution”, primer single de una duración aproximada a 7” y también primer disco que se edita con la etiqueta Apple.

1969 es el año en que el grupo rodará “Let it Be”, un documental en que salen ellos como en un día de ensayo con un concierto final sobre la azotea de Apple Studies en Londres.

En marzo se casa John Lennon con Yoko Ono, y los dos meses posteriores salen los singles “Get back”/ “Don’t let me down”, “The Ballad of John and Yoko”/ “Old Brown Shoe”, además empiezan la grabación del álbum “Abbey Road”. Cada vez las relaciones entre los componentes del grupo, eran más complicadas. Paul, quería actuar como líder, rechazando la presencia continua de Yoko, y los componentes George y Ringo tampoco se sentían tan unidos al grupo, por lo que en la grabación de “Abbey Road” no siempre están presentes los cuatro.

De Apple Records surge la Zapple pero con una duración muy corta a causa de las incongruencias que llevaban las relaciones en el grupo; a pesar de todo llegarán a publicarse Unfinished Music No.2- Lifewith the Lions de John Lennon y Yoko Ono, y Electric Sound.

1970 es la fecha en que se confirma oficialmente en los periódicos de todo el mundo que los Beatles ya no existen. La carrera musical de estos personajes tomaría rumbos diferentes y en solitario.

Finalmente, se editará el último disco llamado “Let it Be”, que en principio se iba a llamar “Get Back”, canción con que cierran su último concierto en la azotea de los estudios de Apple.

BEATLEMANIA

Los Beatles dejaron una huella en la historia, marcada por una identidad que partía desde la estética hasta la culminación de sus obras musicales y sus relaciones con el cine.

La forma del cabello viene sugerida por Astrid Kirchherr, una artista alemana que estuvo unida sentimentalmente con Stuart Sutcliffe, primer bajista del grupo, el cual pertenecía a un grupo existencialista de artistas Exy, que habían elegido el peinado pilzenkopf cuya traducción del alemán es cabeza de seta.

En esta época muchos jóvenes descubren los sonidos beat, cuya base se encuentra en el rock, y en la imagen de los grupos de dos polos opuestos. Por una parte los mods (Beatles) y por el otro lado los rockers (Stones), que compartían el cabello largo, los trajes originales y la actitud provocadora.

Se forman grupos musicales y locales donde los jóvenes se reúnen para tocar y para escribir canciones. Al mismo tiempo en Gran Bretaña nacen las bandas transgresivas como los teddy boys, rocks, mods y para acabar punks.

En los años cincuenta se habían inventado los “target teenager”, es decir, el “derecho” de los jóvenes a vestirse de una manera distinta de los adultos, con trajes que señalaban su identidad.

El año 68 también recogieron la aleación de lo étnico, ya que George se sentía atraído por la India, los sonidos musicales y los sonidos exóticos del país. La juventud occidental estaba descubriendo la filosofía hindú, hacer yoga se puso de moda y el consumo de drogas fue parte de su fusión con esta cultura.

La Beatlemania llegó lejos creando la leyenda urbana de que Paul McCartney había muerto. Algunos indicios sobre esto fueron: en la foto interna de Stg. Pepper’s en la chaqueta de Paul aparece la etiqueta con las siglas OPD, que significa “Officialy Pronounced Dead” (oficialmente declarado muerto). Por otro lado, en la contraportada, Paul está de espalda, casi como si estuviera ausente. En la portada de “Magical Mystery Tour” aparece una figura con una máscara oscura de morsa, en una figura que recuerda la crucifixión, tratándose de Paul y el león marino que en algunas culturas es símbolo de muerte. También está llena de símbolos la foto de “Abbey Road” en la que Paul camina descalzo con los ojos cerrados y además sale un coche que tiene como matrícula 281F (interpretado como If-28), de todo eso se ha comentado que significa que “si Paul viviese tendría 28 años”. Pero todo esto son leyendas urbanas que los Beatles supieron ironizar, completando esto con la existencia de un doble que surgió de un concurso.

PELÍCULAS

Los cuatro componentes juntos realizaron cuatro películas que vieron la luz según este orden: “A hard day’s night”, “Help!”, “Magical Mystery Tour” y “Yellow Submarine”; además realizaron un documental que llamaron “Let it be”, reflejando un día de ensayo, tal como ellos eran normalmente, aunque esto ya fue en sus últimos días como grupo.

Brian Epstein firmó un contrato por el que los Beatles se comprometían a realizar tres películas con la productora United Artists, estas fueron las dos primeras citadas y “Yellow submarine”, siendo ellos mismos productores del resto.

La primera película fue “A hard day’s night” de 1964 y el título proviene de un comentario de Ringo después de una jornada de trabajo de diez horas en la que dice “It’s a hard day…” (qué día más duro…) y al ver que ya era de noche añadió “…s’ night” (de noche).

La película trata de un viaje que realizan de Liverpool a Londres donde les acompaña el abuelo de Paul, el cual los enredará en pequeñas trabas cómicas. Los Beatles se dirigen a un concierto que sería retransmitido en la televisión y por poco no consiguen que este tenga lugar, ya que el abuelo de Paul enreda a Ringo con ideas que le hacen replantearse su sentido de la vida.

Esta película junto a “Help!” son dirigidas por Richard Lester, el cual trató de observar a los Beatles desde su parte más natural y espontánea. Intentó seleccionar frases que ellos usaban en su vida diaria, de manera que en las películas, muchas veces daba rienda suelta a que ellos mismos fueran más que protagonistas de sus diálogos, los que lo elaborasen sin dejar de ser ellos mismos.

La primera película se realizó en blanco y negro, pero en “Help!”, su segunda película, habían reunido un presupuesto más elevado y la realizaron a todo color, además con la intervención de variados personajes. En este caso, Lester trató también de reflejar frases que pertenecían a su vocabulario habitual, lo cual la convierte en un trabajo muy cómico.

Esta segunda película, trata de un anillo que cae en manos de Ringo y pertenece a una secta india que sacrifica a todo aquel que lo posee. Con lo cual los Beatles son perseguidos por todo el mundo con el fin de sacrificar a Ringo. Los Beatles durante el rodaje de esta película ya habían tenido sus primeras experiencias con marihuana y alegan que pasaban el día colocados entre risas y apenas podían recordar los diálogos. Lester apreció esto, ya que de nuevo la improvisación en los rodajes daba pie a que se reflejase la personalidad de cada uno.

La tercera película que rodaron fue “Magical Mystery Tour”, en la que Lester los empujó para que fueran sus propios productores y directores, además de actores. Esta película pretende reflejar el pensamiento influenciado por la psicodelia que inundaba sus mentes. No tiene una estructura narrativa y trata sobre un viaje organizado por unos magos que producen efectos surrealistas en los viajeros. En principio se emitió la película en blanco y negro y no tuvo mucha consideración pero pasado el tiempo se realizó en color, pasando a ser una película que hoy día se muestra en las escuelas de cine.

 

Su cuarta y última película fue “Yellow submarine”, ya que “Let it be” que la precede, se considera como un documental más que una película. El director de esta película es George Dunning, el guionista Erich Segal, el dibujante Heinz Edelmann y el director de animación Bobsleigh Falser, además se utilizan de 150 técnicos y 40 animadores para la realización. La historia trata de un mundo llamado Pepperland, cuyos habitantes han sido paralizados por los Blue Meanies, que eran contrarios a la música y al amor. De manera que va desapareciendo todo esto de este mundo y cuando llegan los Beatles con un submarino amarillo, vuelven a dar vida a este mundo con su música.

El año en que se hizo la película “Yellow submarine” (1968), se planteó realizar una versión de “El Señor de los Anillos” de J.R.R. Tolkien, con la intención de que algunos posibles directores fueran Michelangelo Antonioni o Stanley Kubrick, pero esta idea no llegó a desarrollarse.

Finalmente, los Beatles deciden grabar “Let it be” bajo el sello del Apple Corps., con el que pretendían reflejar cómo eran ellos en su trabajo ensayando, y las relaciones entre ellos como se estaban desarrollando. Paul McCartney lo define como el documental de la separación, fue como la despedida de los Beatles con un final, que era un concierto con aforo limitado sobre la azotea de los estudios de grabación de Apple.

Reportaje a cargo de Nuria Durbá Alonso

 

laescaleritaquesube@gmail.com

El punk angelical de las Vivian Girls

El  punk desacompasado y ruidista de las Vivian girls hizo vibrar al personal el miércoles 30 de marzo en la sala KGB de Barcelona. La banda ha revitalizado la tendencia del garage del mundo del rock subterráneo de las barriadas de Nueva York , aquel que graba, suena y vive en baja fidelidad.  Simplismo descarnado y melodías de aullido cósmico. Mujerencia a tope!

Vivian Girls son Cassie Ramone (guitarra y cantante), “Kickball Katy” Goodman (bajista) y Fiona Campbell (baterista). Son sólo tres y  como los buenos grupos al estilo de Wipers o Violent Femmes lo llenan todo, no les hace falta más para petar el escenario con un ruido atronador, intenso y corto. Las Vivian hacen punk y además lo hacen asociándolo a un sonido lo-fi. Aunan el guarrismo y las melodías rápidas y enérgicas que interpretaron en los dos primeros temas   ‘Never See Me Again’ y ‘Can’t Get Over You’.  A éstos les siguieron ‘I Heard You Say’ y ‘The Other Girls’, temas que en directo sonaron tan post-punk como “ Wild eyes” o “Going Insane” pues desprendían la estridencia de una mala baba que hace rechinar los dientes. No obstante, siguen la estela del espíritu do it yourself , un sonido de ir por casa aderezándolo con unos coros celestiales. Si las Vivian Girls triunfan es porque evocan una dualidad mítica: la crudeza de sus letras con la esperanza de sus melodías pop.

El éxtasis vino cuando la línea del bajo de “Tell the World”  despidió el concierto de hora y cuarto. A pesar de parecer que en directo iban a defraudar, colmaron cualquier expectativa, aunque eso sí, el público de Barcelona continúa en su línea de observador-toma nota, excepto un reducto de chavales que lo dieron todo, y a los cuales la bajista les aplaudió. Todavía hay gente que se lo baila.

Lejos de su sonido envolvente y ruidista como en sus dos primero ábumes: “Vivian Girls” y “Everything goes grong”, su nuevo LP “Share the joy” despunta con la calidez de sus punteos arábicos que sientan tan bien como las mañanas de abril, frescas y místicas. Con un giro más armónico y quizás un poco más transparente, el nuevo Lp que presentaron en concierto, destila ese sonido trash pero esperanzador que engancha. Las Vivian  me remueven la melancolía  incrustada porque miran atrás y adelante al mismo tiempo.  “Share the enjoy” te molará si flipas con los setentas y el punk guarro. Las Vivian no cambian, su esencia es la misma: lo-fi chatarrero más brillo destellador. Setentas a tope!

Bájate el tema I heard you say por la cara de su nuevo álbum Share the joy

http://iheartvinyl.polyvinylrecords.com/em/iheardyousay

Ramona Veryser

Ramona Veryser

Hª DEL BLUES

Presentación:

Continuando con los reportajes sobre el origen del blues y su repercusión en la música (http://lamaracailustrada.com/2011/03/19/los-origenes-del-blues-y-su-repercusion-en-la-musica/) continúa la andada a manos de Txus Sulfator, un verdadero sabio de la música negra. Advertimos que esta pequeña biblia es de difícil digestión, pero estará aquí hasta el fin de la era contemporánea de manera que siempre podréis acudir a ella para consultarla.

Artículo:

Ahora que la música había llegado, todo lo que necesitaba era un nombre. El término Rhythm & Blues – creado para sustituir al despectivo “Race Music” – (acuñado en 1947) por Jerry Wexler de la revista Billboard Magazine – publicación que emitía las listas de ventas para diferentes categorías o estilos –, era demasiado amplio y vago, ya que dentro de la categoría Rhythm & Blues se incluían prácticamente todas las formas de música negra, a excepción del jazz y el gospel, sin importar el verdadero estilo musical. Daba lo mismo, ya fuera una balada, Jump Blues al viejo estilo, Crooners como los Ink Spots, cantantes de Blues, o lo que fuera, era clasificado como Rhythm & Blues. Pero esta “rocking music” era nueva y revolucionaria, y por tanto, necesitaba un nuevo nombre. De tal forma, los disc jockeys, encabezados por un DJ de Cleveland llamado Alan Freed quien debutó con su programa de radio “Moondog’s Rock & Roll Party”, empezaron llamándolo Rock and Roll. Hablamos del año 1951, y muchos DJ’s se hicieron eco del término, como Waxie Maxie en Washington DC, Hunter Hancock en Los Ángeles, o Porky Chedwick en Pittsburgh.

Para 1953 el nuevo término se venía usando ampliamente, e incluso se empleaba para etiquetar la música de cara a un público más amplio que el del mercado del Rhythm & Blues. Muchos blancos que recuerdan los primeros años 50, creen que 1954 fue el año en el que el Rock & Roll nació. Pero no, es simplemente el año en el que por primera vez esta música llamo su atención con canciones “crossover” como “Sh-Boom” de the Chord Cats, “Shake, Rattle, and Roll” de Big Joe Turner, “Earth Angel” de the Penguins, “Gee” de the Crows, (grabada en 1953), “Rock Around The Clock” de Bill Haley and the Comets, y algunas de las primeras canciones Doo Wop que saltaron desde las listas de Rhythm & Blues. Cuando hablamos de canciones “crossover”, nos referimos a aquellas canciones en aquellos años incluídas tanto en la categoría de ventas “Rock & Roll” como “Rhythm & Blues”. De la misma forma, nos referimos a canciones de artistas que venían siendo incluidos en la categoría “Rhythm & Blues” y que en un momento dado, con canciones en la misma línea, pasaron a ser incluidos también en la categoría “Rock & Roll”. 1954 es también el año en el que Elvis grabó Rock & Roll por primera vez en su carrera. No obstante, esas grabaciones con Sun Records solo le otorgaron fama local y no se hizo nacionalmente famoso hasta que RCA le fichara en 1955. De esta forma, se desbarata la tesis (que se escuchará en cualquier telediario nacional) que considera las grabaciones de Elvis en Sun Records como el nacimiento del Rock & Roll…la historia venía de antes…

Con la música en su sitio (la que desde 1947 venía llamándose Rhythm & Blues y que a partir de 1951 comenzó a llamarse Rock & Roll), apareciendo en radio y televisión, y con el nombre de Rock & Roll ya oficial, la historia ha sido contada. Olvidad todos los mitos que hayáis oido sobre 1954, Sun Records, Elvis con su “That’s All Right Mama”, Sam Phillips, etc. Esa es la historia del Rockabilly, pero el Rock & Roll en sí mismo ya estaba presente anteriormente, denominado, grabado y editado mucho antes. Mucha gente ha continuado expandiendo el mito de que el Rock & Roll era originariamente una mezcla de Blues y música Country, apoyando esta tesis tan a menudo y durante tanto tiempo que es prácticamente considerado un hecho cierto por alguna gente. La realidad es que el Rock & Roll es anterior al Rockabilly, el cual es una mezcla de Rock & Roll y música Country. La idea de que la música Rock & Roll comenzó en Sun Records en 1954 fue tomada por cierta por la mayoría de la gente fuera de la comunidad negra, ya que hasta ese momento no habían oído esa música que la gente negra ya conocía desde hacía años. Básicamente, la mayoría de los Estado Unidenses en aquellos años era completamente desconocedores de la cultura negra y nunca habían oido nada de los sonidos del Rock & Roll hasta que Elvis, con su boom dió a conocer abiertamente la música negra al mundo blanco. Pero una vez más, es más acertado decir que el Rock & Roll era originariamente tan sólo otro término para referirse al Rhythm & Blues, el cual empezó a finales de los 40, acuñado en 1947 por Jerry Wexler, miembro de la revista Billboard que publicaba (y sigue publicando) las listas de ventas para diferentes categorías. El término Rhythm & Blues pasó a sustituir a la categoría “Harlem Hit Parade” que anteriormente sustituyó a la categoría de “Race Music”, considerada en un momento dado como políticamente incorrecta. Dentro de la categoría de Rhythm & Blues tenían cabida, a excepción del Gospel puramente religioso y de algunos tipos de Jazz, todo tipo de música hecha por negros y mayormente para negros. Partiendo de un profundo desconocimiento previo y con la repentina aparición en 1954 de público interesado en el Rock & Roll en casi todo el mundo, la idea que se creó en las mentes de la gente fue que el Rock & Roll había nacido ese año. La inmensa mayoría de la gente jamás había oido hablar de los rockers o rockeros originales de la era Hoy Hoy, entre 1947 y 1953. ¿Por qué razones la gente no iba a conocer esa música reciente y anterior si tan parecida era a la que explotó con el boom denominado mediáticamente como Rock & Roll?


Cuando uno lee la mayoría de los libros o ensayos acerca de los orígenes del Rock & Roll, lo describen como una gran explosión que tuvo lugar allá por 1954 o 1955. Según ellos, de forma vagamente clara y de repente, Elvis, Bill Haley, Chuck Berry, Little Richard y otros, estaban tocando un Rock & Roll perfectamente desarrollado como si lo hubieran sacado de la nada. Algunos lo retratan como un momento mágico en un studio de grabación, con músicos trasteando durante un descanso tocando e improvisando juntos en una jam y de alguna forma accidentalmente inventando un completo nuevo estilo de música. Ridículo. Los autores más centrados dicen, aunque también equivocándose, que el Rock & Roll surgió como una mezcla de música Country y Rhythm & Blues (una descripción acertada del Rockabilly, el cual, sin embargo, no fue la primera forma original de Rock & Roll). Cuando estos libros describen las “raices” del Rock & Roll, normalmente empiezan con el Blues de los años 30 o incluso anterior, con artistas como Robert Johnson y Charley Patton, luego hacen referencia a los artistas del Blues de Chicago como Howlin’ Wolf y Muddy Waters y después se plantan casi directamente en 1954, saltándose completamente el Rhythm & Blues basado en fuertes saxos, o como mejor expresa la voz inglesa, hard rocking sax-based Rhythm & Blues, del periodo 1947-1953. Nuevamente podemos plantearnos una pregunta similar a la anterior. ¿Por qué razones se omite de los textos y de la memoria esa música reciente y anterior si tan parecida era a la que explotó con el boom denominado mediáticamente como Rock & Roll? Existen diferentes razones para explicarlo:

1. En la radio, a finales de los 40, el Rhythm & Blues era un tabú, pese a que había algunos DJs pioneros que rompieron las normas y lo emitieron de todas formas. Los primeros Rhythm & Blues escuchados en la radio en Nueva York, por ejemplo, fueron a finales de 1952 e incluso entonces, solo se emitían pasada la media noche. En algunas otras ciudades grandes, había algunos pocos programas de Rhythm & Blues antes de 1952, pero en general, casí no se oían en la radio en los primeros días de esta historia. Sin la radio, los únicos lugares en los que el Rhythm & Blues era sobradamente conocido antes de 1952, eran las comunidades negras, no obstante, para ese año, la fachada más visible del Rhythm & Blues se estaba convirtiendo en los grupos vocales de Doo Wop, populares entre los adolescentes, de forma que el Rhythm & Blues anterior, el más puro, nunca fue conocido ampliamente.

2. En el tiempo en el que el Rhythm & Blues estaba empezando a escucharse en las emisoras de radio, el viejo formato de los discos de 78 rpm (revoluciones por minuto), en el que grabaron en su día por ejemplo los músicos de blues del Mississippi, acababan de ser sustituidos por el nuevo formato de discos de 45 rpm. Las emisoras de radio para estar en la vanguardia compraron todos los discos nuevos de 45 y desecharon los viejos, ya que los discos de 78 eran mucho más pesados y menos manejables, además de que se rompían fácilmente. Para 1951-1952, los únicos discos que recibían los DJs de radio eran los nuevos de 45. Desgraciadamente, todo el Rhythm & Blues clásico había sido grabado previamente a 1951 y por tanto, en viejos discos de 78. Cuando el Rhythm & Blues comenzó a escucharse en la radio a partir de 1952, los discos de 78 estaban ya en la basura emitiéndose sólo formas de Rhythm & Blues más modernas. Más tarde, cuando se hablaba de los “Golden Oldies”, el término hacía referencia a los, pasados los años, viejos discos de 45, ya que los de 78 llevaban ya años descatalogados y desechados. En conclusión, los discos de 78 de la era Hoy Hoy de 1947 a 1951 no tuvieron gran difusión en la radio, cayendo en el oscurantismo popular.

Unido a esto, está la historia del juke box. En 1950-1951, la mayoría de los juke boxes de los barrios con dinero se estaban adaptando para poder reproducir los discos de 45, mientras que la mayoría de los discos de Rhythm & Blues eran editados todavía principalmente en 78. El formato de 45 rpm fue introducido en 1949 por RCA Victor, y otros sellos lo introdujeron también a principios de los 50, si bien otros sellos continuaron produciendo discos de 78 hasta 1959, especialmente para el mercado Rhythm & Blues. La razón de esto es que la mayor parte de los afroamericanos no tenían el poder adquisitivo de comprar nuevos reproductores para discos de 45 rpm y los operarios de los juke boxes normalmente no adaptaron las máquinas de las comunidades negras al nuevo formato de discos. Esta situación es también cierta para la música “Hillbilly” o Country, ya que los seguidores de esta música eran también típicamente pobres. Siendo todo esto así, el Rhythm & Blues de la era Hoy Hoy cayó en la trampa de editarse en los últimos días de un formato obsoleto y la mayor parte de esta música se perdió para los oyentes del nuevo formato de 45 rpm.

3. Cuando el Rock & Roll se estableció como música popular una vez que el Rockabilly llegó, e incluso más con la “Invasión Británica” de grupos como los Beatles, Rolling Stones o los Who a principios de los 60, se convirtió en una música basada en la guitarra. Los guitarristas de estas bandas naturalmente se fijaban en otros guitarristas como los pioneros del estilo. De esta forma Eric Clapton, por ejemplo, escucharía discos de B.B. King, Keith Richards escucharía discos de Muddy Waters, etc. y tomaron a estos artistas como su inspiración. Las companies de discos se interesaron entonces por reeditar discos antiguos sobretodo si había alguna guitarra como instrumento principal. Sin embargo, el Rock & Roll previo a 1954, no se basaba tanto en la guitarra sino en el saxofón, con nada o poca guitarra. Ya que el saxofón perdió su liderazgo en el Rock & Roll alrededor de 1956, la mayoría de las primeras estrellas del género permanecieron olvidadas. Esto es igualmente cierto aunque tal vez en menor medida para el piano, el cual fue probablemente el primer instrumento con el que se tocó Rock & Roll.

4. A mediados de los 50, cuando el Rock & Roll era popular, cada gran compañía de discos tenía una serie de megaestrellas de las que intentaban vender sus discos. RCA tenía a Elvis, Decca tenía a Bill Haley y Buddy Holly, Capitol tenía a Gene Vincent, etc. Estas compañías no estaban interesadas en reeditar en 45 rpm los discos que en su momento las mismas habían editado en 78 rpm, ya que de hacerlo sería contraproducente para la promoción de sus nuevos artistas y su “nuevo” sonido. Así las cosas, incluso aunque RCA Victor tenía toda una mina de oro en grabaciones de antiguos “rocking” Rhythm & Blues de artistas como Piano Red, Big Boy Cudrup, Mr. Sad Head, Big Maceo, etc., su atención estaba centrada en promocionar a Elvis.

De esta forma, los artistas Rhythm & Blues de finales de los 40 y principios de los 50 cayeron en el olvido. Los adolescentes blancos de mediados de los 50 pensaban que esos artistas eran cantantes blues desfasados y pasados de moda cuyos discos no merecía la pena escuchar. El único artista Rhythm & Blues popular de finales de los 40 que tuvo gran éxito en el mainstream Rock & Roll de mediados de los 50 fue Fats Domino, el cual había venido teniendo éxitos desde entonces. El primero de ellos lo grabó en 1949. Por lo demás, existían otros ejemplos de artistas que venían grabando Rhythm & Blues, con un sonido claramente “rocker” pero que por una u otra razón no se hicieron populares anteriormente a Elvis, de forma que una vez que alcanzaron una mayor fama no fueron vistos como precursores sino como otros interpretes surgidos con el “nuevo” sonido Rock & Roll. Así tenemos ejemplos como Little Richard, quien venía grabando desde 1951, pero no tuvo un gran éxito de ventas hasta su Tutti Frutti de 1956; Chuck Berry, el cual era un popular artista local en East Saint Louis durante la era Hoy Hoy, pero que no grabó hasta 1955, año en el que se hizo famoso con “Maybelline”; Ike Turner quien era también un exitoso artista Rhythm & Blues durante la era Hoy Hoy cosechando hits ya desde 1951, pero cuyos discos de mediados de los 50 no obstante fueron siempre promocionados entre el público Rhythm & Blues (afroamericanos), y por tanto no es comúnmente mencionado como artista seminal en los libros sobre la historia del Rock & Roll, dirigidos principalmente a blancos.

5. Para 1954 o 1955, el término “Rock & Roll” se había convertido en el nombre común para la música del momento, la cual estaba ahora dirigida al segmento de adolescentes blancos que se identificaban con esa imagen. Había poca incentivación en estos jóvenes fans para escuchar canciones y artistas anteriores fuera del apelativo Rock & Roll. El nombre común para la música anterior era el desconocido-en-su-contenido “Rhythm & Blues”, y las connotaciones raciales del término desanimaban al joven público blanco a escuchar estos discos anteriores, pese a tratarse del mismo tipo de música. Por otra parte, esos discos tenían un contenido adulto y los adolescentes blancos no estaban preparados para entenderlos. Las únicas excepciones eran unos pocos artistas negros quienes de una u otra forma vieron sus discos promocionados como discos de Rock & Roll en vez de discos de Rhythm & Blues. Estos artistas eran tales como Little Richard, Chuck Berry, Bo Diddley, Fats Domino y una serie de grupos vocals. Los artistas negros cuyos discos seguían promocionándose como Rhythm & Blues, pese a tener un sonido Rock & Roll, no vendían demasiado entre los adolescentes blancos, como es el caso de Ike Turner.

Txus Sulfator

Las chicas y el blues

Aunque pueda parecer extraño, en otro tiempo, una minoría de mujeres negras consiguieron abrirse camino en la historia de la música luchando contra los prejuicios raciales y la discriminación de los años 20 en EE UU.

Muchas de ellas lograron el reconocimiento como vocalistas y otras lo hicieron como acompañamiento. Como es lógico,  fueron las primeras quienes alcanzaron un poco más de fama. Aun así, no significa nada si realmente hay que considerar la aportación de estas chicas a la música popular. De hecho,  su labor artística no ha sido reconocida más que en algunos circuitos estadounidenses. Exceptuando alguna figura como Bessie Smith o Billie Holiday, puras divas del blues, poco se conoce.

Tras la primera guerra mundial surgieron en EE UU una serie de locales, restaurantes, cafés que ofrecían a los artistas la oportunidad de demostrar su talento. La igualdad que se respiraba en el ambiente permitió a las cantantes  acceder a la escena de entonces y conseguir ingresos precarios para poder continuar con su propósito, hacer música.

Poco a poco el circuito comenzó a consolidarse y la música empezó a ser más rentable. Existía una ruta coordinada por distintas ciudades que enriquecía la escena, tanto para los músicos como para los espectadores. La T.O.B.A fue uno de los más conocidos.

Otro gran papel lo protagonizó el fonógrafo, que permitió con el disco de vinilo de difundir la música como no se había imaginado hasta entonces.

A principios del siglo XX el acceso de artistas negros a la escena musical blanca era una utopía. Salvo pocas excepciones, la cultura y la industria musical era cosa de blancos. Sorprendentemente algunas discográficas pioneras como Columbia, Victor o Edison no tuvieron reparo en editar discos a músicos negros de América del sur. En este sentido, la aparición de Mama Smith en 1920 supuso un acontecimiento importante. Una veterana de los escenarios, curtida en el mundo del espectáculo como bailarina, cantante y corista compuso entre sus primeras grabaciones una de las canciones más recordadas y versioneadas del bues, “Crazy blues”, la cual se vendió relativamente bien para ser un estilo nuevo entre la sociedad blanca. Y abrió el camino a otras cantantes que permanecían en el anonimato.

Quitando alguna grabación aislada que se hizo en el sur, casi todas las grabaciones que se realizaron en los años 20 se hicieron en Nueva York, donde el blues aun no estaba reconocido. Esta situación perduró durante años hasta que una serie de canciones se convirtieron en éxitos de ventas. De todos modos, nada tenía que ver con la música que se producía en Brodway.

Trixie Smith, Atlanta, con su tema “Trixie´s blues” consiguió el primer premio de un prestigioso concurso de blues con el que adquirió una notable popularidad, y gracias al cual también más tarde firmaría un contrato discográfico. Su estilo, arraigado profundamente en la cultura rural sureña, hacía pensar entre el público de la ciudad de Nueva York que existía un estilo fuera de sus fronteras.

De todos modos, aunque Trixie fue una excelente cantante, si se compara con Bessie Smith, no llegó a tener un gran reconocimiento. La llegada de Bessie proporcionó una nueva visión.  Su voz profunda y sus melodías, novedosas para ese momento y vieja para el blues causaron sensación hacia el 1923. Existen rumores de que las primeras grabaciones se realizaron por 1922-23, y que en al comienzo fue rechazada por su voz poco ortodoxa en finura, sin mencionar su comportamiento grosero.

Bessie firmó un contrato en exclusiva de un año con Columbia. Antes había sido rechazada por varias compañías que habían considerado a la cantante demasiado agresiva. Siempre grabó en Nueva York, donde las condiciones eran óptimas y permitían un registro sonoro aceptable. Normalmente se acompañaba sólo de un piano, y en alguna ocasión de algún otro instrumento, pero nunca de una gran banda. Era suficiente con que un instrumento llamase la atención y proporcionase a la voz la libertad suficiente para ser  protagonista. Versiones como “After you have gone” o “Alexander´s Ragtime band” siguen siendo de lo mejor.

Gertrude Priddget;  Conocida como “Ma” Rainey´s también era una veterana y conocía bien los escenarios como artista antes de lanzarse a cantar. En una entrevista, comentaba acerca del Blues que en 1902, en una pequeña ciudad de Missouri, estaban actuando en un pequeño espectáculo de carpa. Narraba la historia de una chica de la cuidad que había ido a ver la carpa y hablaba del “hombre” que la había abandonado. La canción era tan extraña y conmovedora que llamó la atención de “Ma”. Ésta se interesó tanto por ella que la utilizó a menudo en sus actuaciones como bis.

La canción consiguió una respuesta tal del público que se ganó un lugar especial en su repertorio. En muchas ocasiones le preguntaron qué clase de canción era, y un día, en un momento de inspiración respondió: “Es Blues”.

El relato suscita tantas dudas como respuestas. Si fuera cierto, “Ma” habría conocido el blues en el año 1902. Si es así, la cantante sería la primera defensora del estilo como tal, introduciéndolo por el sur.

Del estilo eran Sara Martin y Mamie Smith, quienes ya tenían más de 30 años cuando empezaron con las grabaciones. Ambas, al contario de “Ma”, ofrecían al público todo aquello que la sociedad moderna, ansiosa de novedad, reclamaba.

El estilo de “Ma” estaba forjado más en lo rural, el campo, los tiempos duros, el dolor y la superstición. Sus canciones hacen pensar que fue una persona experimentada en la vida, con mucha personalidad, lo que otorga a sus canciones una universalidad que las mantiene en el tiempo desde entonces y las convierte en obras de inspiración. Letras peculiares por el contenido social. Se expresa el lesbianismo en canciones como “Prove i ion Me Blues” y la prostitución en “Husting Blues”. En ninguno de sus temas se observa rastro de hipocresía ni vulgaridad.

Se ha comparado a “Ma” con Bessie. Pero, ya se sabe, quizá no se podría ni plantear. En principio porque la comparación no sería justa por diversas circunstancias. La primera y fundamental es que “Ma”, por desgracia o fortuna, no disfrutó de las ventajas que las nuevas tecnologías que los estudios de Nueva York ofrecieron a Bessie. Esta última tuvo la suerte de ponerse en manos de Columbia Records y disfrutar de las últimas técnicas de grabación a la vez que contaba con la confianza de un productor que la apoyaba. Rainey vivió otro destino al firmar con Paramount, Chicago.

“Ma” Rainey´s comenzó sus primeras grabaciones en 1923, una vez tenía asegurada una buena posición en la escena que ya, por lo menos, la reconocía como una cantante de blues que, a pesar de carecer de las facilidades de las técnicas modernas de sonido, ofrecía un producto verdaderamente bueno.

Lo cierto es que los primeros discos de Rainey´s suenan como si los estuviese reproduciendo un cascanueces a motor. En cierto modo, se hace un poco difícil el acceso a ellos la primera vez que se escuchan. Pero, en realidad, ocurre con casi todas las grabaciones musicales de los veinte. Principalmente es el sonido lo que produce cierta distancia, pero también lo es la manera de expresar el blues, ya que en ese momento aún no está forjado el estilo tal como se conoce hoy.

El estilo de las cantantes de blues de los 20 no es el mismo que el que más tarde se desarrollará. Digamos que por aquel momento aun no se había forjado una estructura concreta y respondía a una forma más loca. En el caso de “Ma” Rainey se suma su voz baja que queda escondida bajo una cortina de ruido. De todos modos escuchar los discos en formato original es la mejor manera para trasladarse en el tiempo y poder asimilar de la mejor forma posible la esencia de su ser.

Otra cantante admirable de aquel periodo fue Ida Cox. También trabajaba con Paramount y sus letras eran pura poesía. La muerte, la superstición o las creencias tomaron el centro de la temática de su obra entre el amor y la soledad, y se convirtieron en un rasgo distintivo de su música. Aunque no era la primera que encontraba inspiración en tales fuentes.

Sara Martin también pertenecía a esta generación. No poseía una voz sensacional pero su versatilidad en la música la convirtió en una artista dotada para el campo interpretativo. La elección de sus acompañantes ponía de manifiesto su buen gusto musical. De ahí que se le atribuya el primer apadrinamiento de un intérprete de country blues que grabó un disco, Silvester Weaver. Más tarde la cantante dejó el mundo de la música para dedicarse a tareas de la iglesia.

1923 fue el año que llevó por primera vez a un estudio a Rainey, Cox y Bessie Smith. Este hecho supuso una aportación sustancial al blues de chicas y promulgaba un cambio. Rainey y Cox concretamente, gracias al éxito de sus grabaciones, permitieron a Paramount continuar con su trabajo en Chicago, de manera que la productora podía proseguir con su labor de cazatalentos en la ciudad.

Ese mismo año, el mundo discográfico vivió un enorme crecimiento lejos de los confines de Nueva York. Columbia, que tenía allí su sede, desarrolló una nueva forma de grabación móvil que le permitió lanzarse a la búsqueda de talentos tanto en el centro de EE UU como en el sur. Durante los años que comprenden de 1922 a 1926 guitarristas de folk blues como Blind Lemon Jefferson, Blin Blake o Charlie Jakcson dieron un gran estirón al blues. Estos cantaban en discos acompañados de sus guitarras con unas maneras  muy características que pronto dejaron huella en el estilo de variedades que se llevaba en Nueva York.

La primera cantante regional que disfrutó del éxito fue Beulah “Sippie Wallace”, de Texas, con su disco de dos caras en 1923. También de Texas era Spivey.

Después del éxito de estas dos cantantes, ST Luis se convirtió en un refugio para muchas artistas femeninas. Productores musicales organizaban viajes a las chicas desde la ciudad a Chicago para que tuvieran la oportunidad de desarrollar su talento, y como consecuencia muchas de ellas fueron músicos destacados a partir de 1926. Músicos como Al Miller, acompañado de su mujer Luella; Mary Johnson, Edith North Jonhson o Alice Moore fueron un ejemplo de ello. De estas cantantes y de muchísimas más poco se sabe, y menos se sabría aun si no fuera por sus grabaciones. En el olvido deben existir multitud de grandes voces que no han llegado al presente por distintas circunstancias y que seguro habrían figurado la vitrina de las más grandes.

Nueva York continuó siendo el centro de grabación de música blues, pero poco a poco, la búsqueda de nuevas promesas extendió la vista lejos de sus fronteras. Para ello desarrolló un aparato móvil de grabación con el que llegaba hasta Chicago, y para más desarrollo cedió la patente a distintas ciudades que disfrutaban de autoras con talento.

Una consecuencia de esto fue la cantante Lucille Boogan,  la cual, aunque ya gozaba de cierto reconocimiento nacional gracias a que la radio cada vez tenía mejor llegada, pronto se convirtió en objeto de diversas ofertas para grabar en Nueva York. Ésta  fue un personaje interesante durante los años 1926-29, cuando popularizó temas  profundamente sociales que se convirtieron en medio himnos. “Alley Boogie” se asoció al estilo boogie-boogie. Otra canción destacada es “They Aint´n Walking no More”, una pieza poco sentimental donde relataba las serias dificultades de la vida de la prostitución. Este tema volvió a grabarse más tarde con el título “Tricks Aint´n Walking no More” (apunte sólo curioso).

Posteriormente ambos temas se unieron con el fin de lanzar tiradas más baratas y que fuesen más accesible para el público. Para ello se valió de sellos desconocidos que, si no la lanzaron a la fama, por lo menos permitieron que continuase con sus grabaciones.

La actitud de mujer dura que adoptaba Boogan era ya una postura aceptada entre las cantantes de blues. A primeros de los veinte, canciones que celebraban el asesinato, trataban el consumo de las drogas, la prostitución, el lesbianismo y otras actividades no aceptadas socialmente fueron la puerta que estas artistas abrieron para las reivindicaciones de la década siguiente.

A finales de los veinte, el blues masculino, compuesto básicamente del compositor y su guitarra, se convirtió en el centro de atención musical y discográfico. Estos cobraban poco por grabar y muchos de ellos lo hacían en efectivo, por lo que era necesario firmar contratos de derechos de autor. Nombres como Albert Brown, Bertha Ross o Cleo Gibson fueron las voces femeninas que rompieron con la tendencia cada vez más extendida de grabar a hombres a finales de los veinte.

También es digna de resaltar la figura de Bessie Tacker, que imitaba el estilo de los hollers de los campos de algodón a la manera de Texas Alexander y Blind Lemon Jefferson. Una prueba de su fuerte temperamento es la siguiente canción:

 

Capatain is gota a big horse-pistol                           El capitán tiene una gran pistola

And he think he´s bad                                                  Y cree que es un chico malo

I´m gonna take it in this morning´                            Voy a quitársela esta mañana

If he make me mad                                                       Como me saque de quicio

 

 

Al igual que Boogan, Tacker también tenía fama de mujer dura, en contraste con su figura esbelta de agradable sonrisa que lucía por los años veinte.

La transición de los veinte a los treinta del sonido rural al ámbito urbano de los clubs supuso un cambio. Memphis Minnie fue una de las pocas cantantes que lo realizaron con éxito. Hacia 1929 había grabado multitud de piezas acompañada de su marido Joe McCoy, con quien hacía uso de la guitarra en forma de dueto. Más tarde se unió a Little Son Joe, también en agrupación de guitarras gemelas, con quien grabó su mayor éxito tras adquirir una guitarra eléctrica, “Me and My Cauffer.

Pero salvo algunas figuras aisladas, los años treinta vivieron el surgimiento y predominio de las guitarras y voces masculinas. Y las chicas optaron por desarrollar repertorios en los cuales el estilo blues era sólo una parte del abanico de ritmos que cubrían sus canciones. Ofrecer un producto más variado, era una manera de competir con las guitarras de los chicos. Así la canción tradicional y popular se abrió camino en los discos de variedades de las cantantes.

Algunas se mantuvieron fieles al estilo blues, probablemente perdiendo la popularidad que hubiesen mantenido siguiendo aquella corriente, la de la música melódica y de variedades, más demandada por el público en general.

Geogia White causó sensación retomando viejas melodías blues. Pero fueron las canciones más melódicas quienes cosecharon más éxito en su carrera.

Cuando los años treinta acabaron, también lo hizo el papel de las chicas en el blues. Las muertes de Clara Smith y Bessie Smith a mediados de década en un accidente de tráfico, las pioneras que habían expandido el blues femenino comenzaron a desaparecer.

Unas pocas cantantes aisladas como Alberta Hunter, Coot Grand, Trixie Smith y Rosseta Crawford grabaron para Deca solicitadas por un productor que las había conocido durante los años en la Paramount. Por otro lado, John Hammond, de Columbia Records, había recogido material de Bessie en 1936 para ofrecerlo de manera selecta a un público más amplio. Más tarde organizó varios conciertos como fórmula por la cual potenciar el blues. Para ello invitó en 1938 a la sobrina política de Smith, Ruby Smith, para que tocara canciones de aquella a modo de homenaje. En 1939 consiguió localizar a Ida Cox para otro concierto y grabar.

Las blueswoman de los años 40 combinaban canciones de variedades con el blues de la misma manera que sus anteriores. En 1940, Lil Gren, Peggy Lee.

En 1941 apareció la cantante de góspel Rosseta Tharpe, quien combinó su carrera musical religiosa con la de cantante de blues. Fue un acto audaz que le proporcionó libertad para componer y desarrollar su talento como intérprete y compositora. Finalmente tuvo que abandonar la música profana debido a las presiones de la comunidad religiosa. Fue una gran cantante y a la vez una excelente guitarrista. Si no tacaba la guitarra en el grupo se notaba enormemente en el acabado global.

Los años cuarenta vieron como el blues se convertía en un faceta básicamente masculina. Surgió una generación de brillantes cantantes que revolucionaron el panorama musical. Personajes como Jonh Lee Hooker, Muddy Waters o Lightin´Hopkins abrirán el camino al blues tal como lo entendemos hoy.

Una década más tarde, en los cincuenta y en adelante, pocas mujeres optaron por tocar blues. Entre las notables excepciones destacaron Koko Tailor, Big Mama Thorton y Big Maybelle. Durante los sesenta, algunas cantantes consiguieron cierto reconocimiento y permanecer en los escenarios gracias a un revival del estilo folk que se desarrolló entonces.

Parece razonable afirmar que la era del blues de las mujeres comienza con el cambio de siglo, o al menos es sensato fijar la fecha de “nacimiento” en el día en que “Ma” Rainey escuchó esa canción por primera vez. Un día especial para comenzar un camino que duró hasta nuestros días y continuará abriendo senderos mucho tiempo.  En su recorrido tuvo momentos mejores y peores, de gloria u olvido. La depresión de los años veinte, los jukebox y las demandas de un público cada vez más gregario abrió la brecha que terminaría por cicatrizar una herida que simboliza lo que una vez fue la hegemonía de las chicas bluseras en los escenarios.

Hoy, el bluesman es un tipo que toca una guitarra amplificada que emite sonidos  muy lejos del espíritu aurático de los comienzos del blues. Pocas veces se le hace un verdadero homenaje a aquel estilo de vida que hacía del blues una razón de ser. Esto no significa que no exista buen blues en la actualidad. Por supuesto que sí. Pero la industria cultural en general y la musical en concreto, si de algo pueden presumir es de haber creado un símbolo musical forjado más en la venta de discos que en el contenido de ellos. A día de hoy, la calidad parece incompatible con el buen gusto, cosa que no ocurría antes.

Lo que los medios de comunicación generalista ofrecen es un producto masticado destinado a ser consumido por un espectro que denominamos masa, la cual es capaz de asumir todo tipo de género musical siempre y cuando haya sido adulterado antes para parecer más un producto de feria que un verdadero mensaje cultura.

Que de esto no se infiera una idea equivocada de lo que se entiende por blues. No es intención hacer de él un objeto de culto o un estilo propio de una élite. Éste es una expresión que procede de la expresión popular de la gente.

En el caso del blues masculino se puede concluir que ha permanecido en pantalla. Sin embargo, el de las chicas no ha tenido esa suerte.

Es posible que regrese a primera línea, porque ya se sabe que últimamente cualquier cosa es posible. Pero si es así, desde La Maraca Ilustrada, cruzamos los dedos para que lo haga por un motivo verdadero y para ser escuchado como se merece, al igual que  toda música que tenga algo serio que expresar. Aunque más de un siglo que “Ma” escuchara esa canción, el blues sigue formando parte del abanico de ritmos de los locos de la música, y seguramente lo será por tiempo.

 

Cristian A. Crespo

Los orígenes del blues y su repercusión en la música

Matizar sobre los orígenes de las cosas equivale a saber el porqué de ellas, por eso he visto conveniente señalar brevemente el contexto histórico y las fuentes de donde surge el blues y el rhythm and blues. Pues no hay que olvidar que la música Blues es profundamente religiosa.

Por el año 1.600 se establece el primer asentamiento Inglés en América, exactamente en Virginia, donde se comenzaría a plantar tabaco. Para ello tuvieron que deportar esclavos de la África profunda (No es que fueran retrasados para hacer esa labor por ellos mismos, más bien eran bastante canallas). Un siglo más tarde se inventa la máquina de cerner algodón, con la cual se acelera la producción e incrementa la necesidad de más deportaciones de esclavos. En 1.791 el censo calculó que de 3.900.000 censados 700.000 eran de raza negra. Para 1.800 habían emigrado a América ciudadanos europeos de diferentes países como Holanda, Dinamarca, Inglaterra, Irlanda, Escocia, Alemania, Suecia, Noruega, y supongo que ningún español, que estaría recibiendo ostias de la inquisición. La ola de inmigración procedente de Europa provenía en su mayoría de doctrinas protestantes luteranas, y esas doctrinas cuajaron entre los africanos.

La religión protestante, que es cristiana también, por si hay algún despistado, trata de tener el mayor número de adeptos posibles, como la católica, y como casi todas las sectas. Para ello organizaban algo así como marchas donde la gente gemía, gritaba y aullaba en forma de, no sé, algo así como comunión espiritual o ritual esotérico. A estas marchas se las llamaron despertares AWAKENINGS, donde se juntaban ritmos folklóricos europeos y africanos. De este nuevo ritmo aparecerán los SHOUTS, canciones religiosas de los esclavos que más tarde se convertirá en el góspel. También los HOLLERS forman parte de los diferentes cantos que surgen como expresión de lamento ante la agonía de la esclavitud en el trabajo. Para 1.860 eran 4.500.000 las personas de raza negra que vivían en América, de las cuales sólo 500.000 eran libres.

De esta etapa estrictamente coral surgen una multitud de instrumentos totalmente rudimentarios propios del entorno rural:

- WASHBOARD, tabla de lavar.

- JAWBONES, quijadas de canes y asnos.

- JUGS , porrones metálicos o de barro.

- KAZOOS, cañas con membranas vibrantes

- BLUE BLOWINS, peines con los que hacían sonar unas finísimas cuerdas.

Y los más sofisticados, guitarras eléctricas fabricadas con cajas de puros, contrabajos a partir de barreños, banjos y panderetas.

La mezcla del folklore africano y europeo genera también un conjunto de bailes: la calenda, el bump, el stomp, el ragging, break down, cake walk, el buck and wing, éste último conocido por todos gracias a Chuck Berry. (Los podéis poner todos en you tube; veréis la sorpresa al ver algún que otro rapero del espacio marcándose una floritura tras otra, pero bueno, algo se puede apreciar de cada uno de ellos).

Después de la guerra de secesión muchos de los esclavos quedaron libres, pero al no tener preparación laboral la única vía de escape para ellos fue la música. Lanzarse a tocar por aquí y por allá sin rumbo fijo mediante una vida errante no era tarea fácil y muchos de estos músicos fueron encarcelados por cometer delitos insignificantes, no hace falta que mencione de que tipo. No tenían dinero para los instrumentos, sufrían reyertas encarnizadas en las cuales se jugaban la libertad y las manos, su arma de trabajo, viajaban sin rumbo de lugar en lugar esperando fortuna y encontrándose en la mayoría de las ocasiones a grupos de paletos esperando apalearles, y en la cárcel eran encadenados de pies y cuello. De todas estas desgracias el preso se lamentaba cantando melodías  melancólicas que expresaban su agonía ante la vida, y a estos cantos se los conoce como CHAIN -GANG-SONGS.

También son típicos de esta época los BARRELHOUSE, que consistían en acudir a graneros donde en el centro había unos barriles que delimitaban la zona de baile. En estas fiestas los músicos que participaban eran considerados ya como profesionales. Otros músicos acompañaban a vendedores ambulantes y tocaban la guitarra mientras vendían el producto. Donde el músico sí consiguió reconocimiento económico fue en los funerales, de donde salen los FUNERALS SONGS.

De los cantos religiosos, de los cantos en el trabajo, de la música de espectáculo, los lamentos en el presidio y de las marchas en los funerales surgió, el SHAG, que poco más tarde se denominó BLUES. Toda esta generación se la conoce como creadora del BLUES RURAL. Los primeros Blues se grabarían hacia 1920 y la mayor parte de ellos por mujeres, ya que tenían más accesibilidad al mundo del espectáculo. Leyendas como Bessie Smith, Ida Cox, Mammie Smith (fue la primera), Getrude Ma Rainey, Billie Hiliday… Todas ellas marcadas por una vida tormentosa, llena de escándalos, alcohol y drogas (yeeeha! si es que lo inventaron todo coño), y no decir sufrimiento, forjaron la música blues y la empujaron hacia los estudios y los espectáculos.

Ahora, por orden cronológico, una serie de artistas conocidos:

- Blind Lemon Jefferson, Leadbelly, y Charley Paton de los primeros.

- Big Bill Bronzy

- Sonny Boy

- Robert Johnson. Una gran leyenda

- Aaron T- Bone (Ya hacía con la guitarra las piruetas que Hendrix patentó).

- Howlin´ Wolf

- Sam Lightnin

- Los grandes Jhon Lee Hooker y Muddy Waters

- Willi Dixon

- Texas Alexander

- Furry Lewis

-Son House

- Bukka White, “baby please don´t go” nada más y nada menos, o por lo menos eso creo. QUE NO ES DE AC/DC!, aunque la tocan muy bien.

- B.B King

 

Retomando el texto, en una época de miseria, hambre y racismo el tren se convirtió en la vía de escape, y muchos de estos músicos fijaron el rumbo hacia el norte del continente, donde el racismo no era tan severo. Chicago fue el destino de todo artista con buscaba ganarse la vida con la música.

Después de la 2ª guerra mundial Chicago se convirtió en la cuna del BLUES URBANO, estilo que se diferencia del BLUES RURAL, más típico del sur. La reunión de bluesmen de todos los rincones del sur fue tremenda y con ella la de instrumentos distintos que se unieron, de esta forma surgen los grupos de blues.

Hasta 1.944, después de una prohibición irracional que no permitía a la gente de raza negra grabar música, no se desarrolló el estilo en toda su potencia. Pero una vez superado este impedimento la música negra fue como una gran bola de fuego que derrumbó todas las barreras sociales para forjarse como el estilo de la música popular por excelencia. Escuchada por todos los públicos, radio, televisión, espectáculos, todos querían conocer y escuchar las maravillas de este estilo, el BLUES, que con el tiempo y la vertiginosa marcha con la que funcionó paso conocerse también como RITHM AND BLUES.

Cristian A. Crespo

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